ou la conférence-atelier sur l’art-thérapie structuraliste du vendredi 9 avril, animée par Véronique Gontier 

Véronique Gontier a un parcours et une démarche originales. Voici comment elle évoque elle-même sa trajectoire et son choix de posture thérapeutique, qu’elle nomme art-thérapie structuraliste.

by Fritz  (voir la recette du mesclun) 

Cette fois Fritz s’intéresse à la grave question du suicide (du latin sui caedere « se massacrer soi-même ») acte qui consiste donc à mettre fin délibérément à sa propre vie, avec 

• une ancienne et très touchante exposition de l’artiste Ben, Suicide au fond de l’impasse : l’art, la vie, la mort
  Ben Vautier, né en 1935 à Naples, arrive à Nice en 1949, où il vit et travaille toujours. Il se fait connaître à partir de 1959, grâce à son « magasin fourre-tout, lieu de rencontres et d’exposition ». Un des fondateurs du mouvement Fluxus, Ben affirme que tout est possible en art et que tout est art. Artiste conceptuel et populaire, Ben, en quelque sorte, amuse la galerie. Comme il l’écrit sur le mur : “Tout ça reste un grand mystère”. Ben est un grand râleur et un grand humoriste. Si le suicide le hante depuis très longtemps, il ne se suicide pas, il écrit et il peint. Tant qu’il travaille, il est vivant et il a exposé en 2009 à la galerie Templon « Ils se sont tous suicidés ».
  « Rothko s’est suicidé, pas moi. De Staël s’est suicidé, pas moi. … Cette nuit j’ai senti la mort comme un fleuve qui coule grand et large que rien ne peut arrêter. J’ai eu beau essayer de penser à autre chose, le fusil, la corde, tout se rapprochait. je suis sorti du lit, je suis allé chercher le fusil, je l’ai chargé, j’ai pris la corde, je suis monté sur l’échelle, ensuite je suis redescendu pour tout écrire et puis brûler ce que je venais d’écrire. » déclare Ben Vautier dans son livre “Suicide d’artiste”, chez L’esprit du temps.
  

“La mort est simple”, acrylique, Ben, “Ils se sont tous suicidés”
Les portraits, encadrés de deux tableaux “La mort est simple” et “La mort est partout”, s’alignent sur le mur, accompagnés d’un texte de Ben qui relate le dernier acte des suicidés.
Mark Rothko s’entaille les veines
Nicolas de Staël se jette par la fenêtre
 Le suicide de Nicolas de Staël, Ben, “Ils se sont tous suicidés”
Maïakovski se tire une balle en plein coeur,   Guy Debord aussi
Ernst Ludwig Kirchner se tue devant sa maison
Vincent Van Gogh se tire une balle dans la poitrine
Diane Arbus avale des barbituriques
Pierre Molinier se tire une balle dans la bouche
Bernard Buffet s’étouffe avec un sac en plastique

Le suicide de Bernard Buffet, Ben, “Ils se sont tous suicidés”
Jackson Pollock se tue en voiture
Sigmund Freud se fait euthanasier par un ami
Virginia Woolf s’enfonce dans une mare les poches pleines de pierres
Photos de suicidés et “la mort est partout”, acrylique sur toile,   Ben, “Ils se sont tous suicidés”Le suicide serait-il l’ultime geste artistique ? Les destins tragiques que Ben a choisis sont terribles ; les phrases qu’il calligraphie sont désespérées. Mais, en dépit d’une thématique funèbre, les tableaux de Ben restent assez toniques. Ben est connu pour ses phrases faussement naïves à l’écriture ronde et scolaire. Les cursives blanches sur fond noir sont apaisantes, elles font sourire avant d’inquiéter. Les couleurs vives contredisent elles aussi le message de mort. L’humour de certains tableaux-objets,  à moi la liberté (avec une corde), je jette l’éponge (avec une éponge), c’est à vous de choisir (avec une balance), pour Socrate (avec un pot de cigüe)  sont même drôles. Tant que Ben peint ses acryliques, il n’attente pas à sa vie.

« Je parle de suicide, mais je ne me suicide pas, je parle de révolution, mais je m’installe devant la télé pour regarder Monk, Barnaby, et Columbo. Ok, mais c’est pas grave, la télé marche toujours. »
Pour ne pas risquer de poursuites, l’artiste prend soin de préciser sur un tableau que: “Cette exposition n’est pas une incitation au suicide, mais une réflexion sur la mort dans l’art”.
Une réflexion et un pied de nez à la mort, un acte conjuratoire. 
Voici quelques suicidés célèbres cités par Ben :
Arthur Cravan, écrivain dadaïste, boxeur, et neveu d’Oscar Wilde, sans doute suicidé par noyade au cours d’une tentative de traversée de l’Atlantique à la rame.
Bernard Loiseau, cuisinier, perfectionniste et stressé, se suicide après sa rétrogradation de 19/20 à 17/20 au Gault et Millau, le 24 février 2003.
Édouard Levé, écrivain photographe: « Décrire précisément ma vie me prendrait plus de temps que de la vivre ». Il dépose chez son éditeur son dernier manuscrit, Suicide, trois jours avant de se donner la mort, en 2007, à l’âge de 42 ans.
Empédocle, médecin et philosophe grec, banni de sa ville natale, se serait jeté dans l’Etna en fusion, laissant, au bord du cratère, une de ses chaussures comme preuve de sa mort.
George Sanders, l’acteur britannique s’est suicidé le 25 avril 1972 en ingérant un cocktail de Nembutal et de vodka pour abréger les souffrances d’une longue maladie: « Je m’en vais parce que je m’ennuie. Je sens que j’ai vécu suffisamment longtemps. Je vous abandonne à vos soucis dans cette charmante fosse d’aisances. »
Georgette Agutte, peintre fauve et sculpteur, se donne la mort le 5 septembre 1922 à Chamonix, après la mort de son mari, Marcel Sembat : « Voilà douze heures qu’il est parti. Je suis en retard ».
Paul Celan s’est jeté dans la Seine le 20 avril 1970. Il avait dans sa poche deux billets non utilisés pour En attendant Godot.
Jean Eustache, le cinéaste, se tire une balle en plein cœur en 1981. Sur la porte de sa chambre, il avait punaisé une carte :” Frappez fort. Comme pour réveiller un mort. “
Rembrandt Bugatti, sculpteur animalier et frère d’Ettore, le créateur automobile, se suicide au gaz en 1916, après l’abattage des animaux du Zoo d’Anvers dont beaucoup avaient été ses modèles.
et alii… pour en savoir plus, cliquer ici

• une performance intéressante, et même éprouvante Suicide en do dièse # : c’est ici
• un livre extrêmement savoureux de l’écrivain finlandais Arto Paasilinna “Petits suicides entre amis”

Un beau matin, un petit entrepreneur dont les affaires périclitent, et un colonel veuf éploré, décident de se suicider. Le hasard veut qu’ils choisissent la même grange. Dérangés par cette rencontre fortuite, ils se rendent à l’évidence : nombreux sont les candidats au suicide. Dès lors, pourquoi ne pas fonder une association et publier une annonce dans le journal ? Le succès ne se fait pas attendre. Commence alors, à bord d’un car de tourisme flambant neuf, une folle tournée à travers la Finlande. Parmi la trentaine de suicidaires de tous poils qui s’embarquent pour l’aventure : un joyeux boute-en-train et un vieux Lapon sympathique et retors, éleveur de rennes, qui voient là une issue inespérée à leurs infortunes.
Un périple loufoque mené à un train d’enfer, des falaises de l’océan arctique jusqu’au cap Saint-Vincent au Portugal.
L’occasion aussi d’une réflexion férocement drôle sur le suicide.

• Un texte préventif de S. Barbery à méditer et à conseiller, c’est ici
• Et un avertissement à propos de l’incontournable texte Suicide mode d’emploi par ses auteurs mêmes… c’est ici

by Fritz  (voir la recette du mesclun)

avec

• Un livre de Gérard Garouste, L’Intranquille, Autoportrait d’un fils, d’un père, d’un fou, écrit avec Judith Perrignon et paru chez l’Iconoclaste.
  Il revient de loin. A 63 ans, Gérard Garouste, peintre, sculpteur, graveur, illustrateur, livre ici une auto-biographie terrible et courageuse où il évoque ses délires, ses dépressions et ses multiples séjours en hôpital psychiatrique. Il porte sur sa ‘maladie’ un regard sans concession et rend hommage à sa femme Elisabeth et à ses fils, ainsi qu’aux marchands d’art qui ont cru en lui.

  ” Je suis le fils d’un salopard qui m’aimait. Mon père était un marchand de meubles qui récupéra les biens des Juifs déportés. Mot par mot, il m’a fallu démonter cette grande duperie que fut mon éducation. À vingt-huit ans, j’ai connu une première crise de délire, puis d’autres. Je fais des séjours réguliers en hôpital psychiatrique. Pas sûr que tout cela ait un rapport, mais l’enfance et la folie sont à mes trousses. Longtemps je n’ai été qu’une somme de questions. Aujourd’hui, j’ai soixante-trois ans, je ne suis pas un sage, je ne suis pas guéri, je suis peintre. Et je crois pouvoir transmettre ce que j’ai compris. “
  Né en mars 1946 à Paris, Gérard Garouste vit et travaille dans l’Eure. Il s’intéresse très tôt à toutes les formes d’expression artistique : dessin, peinture, sculpture, gravure, et ses oeuvres, désormais célèbres, voyagent dans le monde entier.  En 1990, il fonde La source, une association à vocation sociale et artistique qui organise en milieu rural des ateliers artistiques pour les enfants en grande difficulté et qui travaille également sur le lien familial, via des ateliers parentaux. Envoyés par les assistantes sociales ou la justice, quelque 5 000 jeunes passent chaque année à La Source, où des ateliers sont dirigés par des peintres, des chorégraphes, des sculpteurs. ” Le but est de valoriser les jeunes “, dit Garouste, en évoquant ces enfants qui arrivent à La Source et ” se découvrent ” grâce à l’expression artistique. 
  
  
• Une expérience thérapeutique bouleversante qui date des années expérimentales de l‘anti-psychiatrie (voir aussi sur ce thème ceci…) en 60-70, racontée dans un livre écrit à quatre mains, thérapeute et patiente :  Mary Barnes, un voyage à travers la folie, de Mary Barnes et Joseph Berke. Devenue schizophrène vers 40 ans, Mary Barnes a pu intégrer l’unité expérimentale créée par Ronald Laing, où on la laissa explorer sa folie, durant cinq années de voyage,  jusqu’à ce qu’elle en émerge, guérie et artiste peintre…  
  Pour en savoir plus, c’est ici Obituaries.doc, et pour ceux qui comprennent l’anglais, un document video intéressant Going down and coming up part 1, part 2, part 3
  
  
• Un film, solite et insolite, Pierrot le fou, film ensorcelant (!) de Jean-Luc Godard (Ah, la nouvelle vague !)  qui éclabousse l’écran de son humour caustique, intelligent et truffé de références (littéraires, musicales et iconiques), qui n’a pas grand-chose à voir avec ce fou-là ni même avec celui-ci, et dont voici un extrait ici et un dithyrambe là :

  “A l’image de son héros qui cherche un peu de beauté dans “un monde d’abrutis”, Godard construit son film sur un antagonisme constant entre le désordre et la grâce, entre la violence et la sérénité. D’un tournage qu’on imagine volontiers chaotique, il tire une œuvre foisonnante, d’une rare liberté de ton, où tout semble pouvoir arriver.  Samuel Fuller y décrit un film comme “un champ de bataille” où se mêlent “l’amour, la haine, l’action, la violence et la mort”, le cinéaste américain donne ainsi le ton d’une œuvre fiévreuse, entièrement vouée à ‘l’émotion’. Bien avant les tentatives de déconstructions narratives d’un Tarantino, Godard nous projette dans un spectacle bariolé et sans cesse déroutant, où l’on peut prendre son petit déjeuner à côté d’un mort et se mettre à chanter les amours sans lendemain, ou bien croiser Raymond Devos criant le dégoût que lui inspire sa femme dans un petit port désert. Facéties d’un cinéaste en pleine possession de son art, qui filme ce qui lui vient à l’esprit et jette à l’écran ce qui lui chante, comme autant de coups de pinceaux. De là naît un jeu perpétuel avec le spectateur, qui se voit interpellé par les personnages au détour d’une conversation amoureuse, pris à partie, les yeux dans les yeux, par Marianne lorsqu’elle réclame le droit de vivre et, par là même, constamment invité à s’impliquer émotionnellement dans l’expérience qui se déroule devant lui. S’il ne perd jamais de vue l’histoire qu’il veut nous raconter (ou plutôt les histoires, drame intime, intrigue criminelle et constat sur l’époque s’entremêlant sans cesse), Godard conçoit son film comme un fracas d’émotions contradictoires, du rire au désespoir le plus déchirant, pour aboutir à un morceau d’émotion pure. Plans de nature impressionnistes et giclées de violence foudroyante se succèdent, liés entre eux par une musique aux accents tantôt pathétiques ou survoltés. Porté par le charisme de ses interprètes, et notamment par un Jean-Paul Belmondo qui sait apporter une sensualité et une dynamique physique remarquables à son personnage, Godard parvient à faire cohabiter dans son film deux mouvements apparemment contradictoires. Un mouvement intime et narcissique, le film prenant souvent l’aspect d’un journal intime, comme en témoignent les innombrables gros plans sur le cahier de notes de Ferdinand. Un mouvement plus ample, embrassant une aventure rocambolesque, aux nombreuses péripéties.” Waldo Lydecker 

• et pour finir, si vous avez un moment à perdre, plongez dans la folie douce, absurde, loufoque et suisse des Plonk et Replonk et laissez-vous envahir par cet humour déjanté et salutaire : dépaysement garanti.

ou le vernissage-présentation de l’exposition d’Agnès Torrès

by Fritz    avec 

• une recette, celle du savoureux carottamandin (merci Hélène)

Il faut:
250g de carottes rapées 
100g d’amandin
100g de noisettes décortiquées hachées
100g de beurre + 20g pour le moule
100g de cassonade + 20g pour le moule
50g de farine
1 sachet de levure chimique
2 oeufs
1 c à café de canelle en poudre
un peu de sel

Préchauffer le four th. 7
Griller les noisettes et l’amandin dans une poêle sans matière grasse
Faire fondre le beurre au bain-marie
Dans un saladier, fouetter les oeufs avec le sel, ajouter noisettes et amandin, cassonade, carottes, farine+levure, beurre fondu et canelle.
Beurrer le moule avec le reste du beurre liquide et saupoudrer de cassonade avant de verser la pâte.
Cuire 45mn.
Servir froid.

• un fragment de la Travatia de Verdi, le choeur des Bohémiens, extrait de l’Opéra Imaginaire, un incroyable film d’animation de Guionne Leroy et Pascal Roulin  http://www.dailymotion.com/video/xp7vr_verdi-traviata-choeur-bohemiens_music : un régal, à consommer sans aucune modération ! Le triomphe de la bohême et des couleurs : noi siamo zingarelle …

“D’étranges choses” sont exposées à l’iGtb… 

et Catherine Lacuve, photographiste, 

a explicité, le soir du 1er avril, au cours d’un sympathique vernissage, grignotage, discussion, ce qu’elle entendait par là… Elle a également évoqué comment lui viennent ces formes, ces étranges images mentales qui surgissent… dont elle se met ensuite en quête et qu’elle finit, un jour ou l’autre, par rencontrer… puis quelques macrophotographies, et travaux argentiques plus tard, qu’elle donne à voir.

Pour expliquer sa manière de travailler, elle cite  ”L’homme qui marchait dans la couleur” de Georges Didi-Huberman. Il s’agit en quelque sorte de déambuler dans ces espaces improbables inventés, façonnés par le rêve… de donner consistance à des choses aussi immatérielles que la couleur, la limite, l’espacement… de travailler avec ce matériau à la fois incandescent et nocturne, à la fois évanescent et massif qu’est la lumière… 

by Fritz

L’iGtb aime les rencontres, les situations expérimentales… et les prises de formes inattendues qui en résultent.

Parce que, pour peu que l’on n’attende rien de précis, ce qui advient est, comme l’écrivait Lautréamont, souvent “beau, comme la rencontre fortuite d’un parapluie et d’une machine à coudre sur une table de dissection”. Les Surréalistes, qui aimaient aussi à le citer, avaient bien compris que des juxtapositions inédites, des collages insolites peuvent surgir des formes poétiques qui renouvellent le regard…

Art, science et thérapie

Vendredi 29 janvier s’est déroulée à l’iGtb, une trop courte soirée consacrée aux relations entre art, science et thérapie et à laquelle, comme on pouvait s’y attendre, se sont également conviées la philosophie et d’une certaine manière, la politique. Le dialogue entre Catherine Thomas, scientifique (le bref exposé de son travail sur le mouvement des océans a laissé rêveur l’auditoire), et Jean-Marie Robine, gestalt-thérapeute, a été sinueux et riche, et chaque détour aurait sans doute mérité d’autres développements. Ce qui a été évoqué a soulevé davantage de questions que cela n’a apporté de réponses…

Voici en vrac quelques thèmes parmi ceux abordés et quelques questions parmi celles qui se sont posées et continuent de se poser… Ceci n’est évidemment ni exhaustif, ni littéral.

Art et science, deux domaines qui semblent avoir peu de points communs avérés, mais il pourrait devenir nécessaire d’en imaginer, pour que la science puisse retrouver une forme de créativité et de liberté. Alors que l’art se situe du côté de la subjectivité, la science cartésienne, newtonnienne,   ( discours justifié par la théorie et l’expérimentation) tend vers l’objectivité, cherchant à prévoir, dominer… La science a tendance à se confondre avec la Vérité … Au fait, qu’est-ce qu’une science “dure”, et partant, une science “molle” ? La science est-elle le seul moyen de connaissance ? Est-elle même un moyen fiable de connaissance ? Comment fait-elle ses “prédictions” ?  A qui et à quoi sert la science “finalisée”, qui a des buts fixés à l’avance ? et qui pousse cela parfois jusqu’à l’absurde en excluant les paramètres qui empêcheraient d’aboutir au résultat escompté… La science ne serait-elle pas au service du pouvoir ? Quel sens donner au “tout sécuriser” ? La volonté de maîtrise de la nature n’est-elle pas une rêverie délirante et dangereuse ? Qu’est-ce que le progrès ?  Quand progresse-t-on et tout progrès est-il nécessairement une amélioration ? Après tout, on a un peu tendance à oublier que le progrès ne désigne qu’un mouvement… que celui-ci soit bienfaisant ou non est une autre question. (sur ce thème, lire ce qu’en pense Ivan Illich : Ivan_Illich_l_epimetheen.doc)

La thérapie n’est pas une science. Même si Freud en son temps a  eu cette ambition, et Lacan après lui, de fonder une nouvelle science : la métapsychologie ou psychanalyse, ayant pour objet l’étude de l’inconscient psychique, dans quelle mesure celle-ci peut-elle réellement prétendre à la scientificité ? D’un point de vue épistémologique, le concept d’inconscient est-il, ou non, scientifique ? Ne s’agit-il pas plutôt d’une hypothèse de travail ? S’il paraît incontestable que des éléments inconscients jouent un rôle dans notre comportement, existe-t-il pour autant un ‘Inconscient’ ? Si l’emploi de l’adjectif demeure pertinent, l’emploi du substantif pose question. Quant aux thérapies cognitivo-comportementales, elles rejoignent la posture scientifique par leurs critères d’efficacité et d’efficience. La technologie chimique et les techniques comportementales semblent vouloir rendre le “patient” à une normalité, qui est le plus souvent celle de la société plutôt que la sienne propre. Les TCC sont-elles autre chose que la remise au travail de l’humain, sponsorisée par les lobbies pharmaceutiques ?

La thérapie n’est pas un art.  Au sens où un certain art lui-même (et en cela, il peut rejoindre une certaine science), n’est qu’une marchandise pour un public consommateur, formaté pour répondre à des demandes de plaisirs hédonistes, de divertissements et de loisirs, à des désirs de possession et de collection, à des démarches spéculatives, ou à des recherches de notoriété. Cet art-là est orienté vers la satisfaction de fonctions utilitaires, sociales et marchandes. Mais il s’agit plutôt de définir la démarche de l’expression créatrice comme l’organisation d’impressions sensorielles exprimant une sensibilité subjective pour un destinataire qui peut en être durablement dérangé ou ému, … Le rapport à la réalité passe par les sens : formes, couleurs, lumières, sons… De toutes ces impressions sensorielles, de ce chaos de sensations, l’artiste crée une forme, en organisant, en composant, en mettant un certain ordre … la gestalt-thérapie rejoint cette démarche en s’intéressant aux formes (= gestalts), et aux processus de formation de formes, et en ayant pour objectif de rendre au “patient” sa capacité à créer des formes neuves, réponses à des situations toujours renouvelées, et à devenir créateur de son existence comme s’il s’agissait d’une “oeuvre d’art” .

La gestalt-thérapie relève ainsi d’une démarche que l’on peut qualifier d’esthétique (aesthesis = sensations) et qui se différencie nettement d’une

démarche scientifique (au sens où l’entendait Braque “La science rassure, l’art inquiète”). Une démarche “poétique” peut-être, qui ne se laisse pas, comme le fait le plus souvent la science, réduire à dire quelque chose… N’ayant pas d’objet à décrire, ni de vérité à déterminer, elle ne peut que faire entendre, entre dire et non-dire, d’une expérience à l’autre, l’expérience ne s’enseignant pas (on enseigne des savoirs “morts” et non la vie, qui se dérobe à toute tentative de saisie…). Rien à dire, mais rien à cacher non plus (pas d’arcane, ni de secret), il s’agit de montrer au sens d’indiquer, pointer vers (la lune)… sans se dissoudre dans une signification définitive et exclusive… La question demeure : que sait-on de plus sur l’âme humaine quand on connaît son poids (21 grammes à peu près) ? Peser l’âme, n’est-ce pas un peu la perdre finalement ???

“Ce qui nous regarde - le ciel au creux des choses et qui maintient la garde, les traces qui creusent nos abîmes - n’est pas vu, et ce qui est vu et su par les prévisions des oracles calculés n’a rien à voir avec ce qui nous regarde.” PM Plumerey